一把刻刀，四十年光阴。在扬州老城区的工作室里，何伟俯身于玉石之上，仿佛在与另一个时空对话。

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他的世界不大，方寸之间；他的世界也不小，装得下山川人物、古韵今风。从玉器厂的学徒到独立工作室的主人，从严谨的科班训练到空灵的艺术表达，何伟用一生诠释着何为“琢玉”，何为“成器”。

一、以工笔为骨：在方寸间构建秩序

何伟的玉雕之路，始于最严格的训练。上世纪八十年代末，他进入扬州玉器厂专业学校，素描、结构、透视——这些西方美术的根基，被他巧妙地移植到东方玉雕的肌理中。他认为，玉雕人物“差一线，神全无”，形不准，意境便无处依附。

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许多年后，当他看到市面上一些“石头树木雕得漂亮，人物比例却失调”的作品时，总会微微摇头。那是外行难以察觉的裂隙，却是他绝不肯妥协的底线。

他的作品里，无论是观音的低眉慈悲，还是仕女的凭栏闲情，身形、姿态、衣纹的转折都经得起几何学的推敲。这份理性与克制，是他为感性表达修筑的堤岸，让汹涌的灵感得以安全地流淌。

二、以灵气为魂：在凝视中偷师传统

工笔筑基之后，需要的是画龙点睛的灵气。这份灵气的源头，何伟总感恩于中国工艺美术大师顾永俊。

他记得那段“偷师”的时光——安静地立于大师身侧，看、他在第二遍画稿上如何调整一片云的位置。“飘高了失之轻浮，飘低了又显沉闷。”

大师的只言片语，如密钥般解开他心中关于“平衡”与“舒服”的谜题。那些“原来是这样”的顿悟瞬间，并非系统的教授，而是审美的熏染，是传统文人画中“气韵生动”在玉雕上的当代转译。

他将这无形的传承，化入自己的一刀一刻，又凝练成简洁的口诀，传递给后来的年轻人。传承在他这里，不仅是技艺的交接，更是一种观看世界、理解美的方式的延续。

三、与石谋皮：在限制中寻找自由

对于材料，何伟有着近乎哲人般的辩证。他坚信“好作品不在料贵，而在料与艺的姻缘”。一块其貌不扬的青籽料，他能看见江南烟雨的朦胧诗意；一段色泽沉郁的黄口料，他觉得正适合雕琢古兽，以显威而不戾的厚重。

购买石料前，他的思考早已穿越时间：它适合成为什么？谁会与之共鸣？价值几何才算恰如其分？这种“下刀之前，已成竹在胸”的预见力，源于常年与石头静默的对视，源于对每一块玉料独特生命的尊重。

他欣赏那些能化“废料”为神奇的同道，因为玉雕的本质，在他眼中从来不是征服材料，而是读懂材料，并与之共同完成一场生命形态的升华。

四、慢即是快：在时光里沉淀匠心

在他的工作室内，一些原石可能静卧数年，覆着薄尘，仿佛沉睡。友人催促，他只温和一笑：“还没想好。”这份“慢”，并非怠惰，而是极致的敬畏。玉石一旦开刃，便无回头之路，他宁愿等待，等待那个与材料精神完全契合的灵感瞬间轰然降临。

而当灵感来袭，他运刀如风，月余即成佳器。这“慢思考”与“快落刀”的节奏，恰是扬州玉雕文人精神的写照：不迎合，不浮躁，让时间成为创作的一部分，让深思熟虑沉淀为作品的厚度与深度。

五、潮起潮落：在变局中守住本心

作为土生土长的扬州人，何伟亲历了行业最繁华的图景：扬州大桥下早市的喧嚣，全国客商云集的盛况，也目睹了市场分化、人才流动的变迁。然而，外界的潮汐似乎从未扰乱他内心的秩序。东西做好了，自然会有人寻来——这份淡定的底气，源于对手艺本身价值的绝对信仰。

他的作品屡获“百花奖”、“子冈杯”等权威奖项认可，一块与友人合作的玉牌更是夺得金奖，被藏家深深珍藏。然而，他近年却渐渐淡出赛事。“年轻人更需要机会和舞台。”如今，他更愿意将目光投向后来者，为他们指点、铺路，如同当年曾照亮他的那盏灯，如今由他稳稳举起，照亮下一代人的前路。

发布于：江苏省